Délinquante

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Jouer collectif, Dimoné savait déjà faire. Avec intuition et sous diverses formes, couleurs, matières. Avec Jean-Christophe Sirven, fidèle acolyte durant 10 ans de nomadisme en duo. Avec Bancal Chéri*, « super groupe » impétueux, toujours sur les routes. Dans des Carte Noire*, des Ligne Bleue*, du Boby Lapointe Repiqué*, entre autres performances confluentes et amicales.

Alors aujourd’hui point de portrait du musicien au singulier sur la pochette. C’est la photographie d’un Band qui s’affiche en couverture. Dimoné est au centre avec deux noms sur la façade, le sien et Kursed, combo rock lui aussi Montpellierain. Un groupe à la fois garage et érudit, cuir et velours, spontané et aguerri.

La rencontre n’est pas fortuite. Dimoné les voit sur scène, plusieurs fois. Il est séduit par l’acuité, le son et l’élégance. Il frappe à leur porte, se présente avant de les inviter à s’assoir plus tard chez lui et leur chanter une paire de chansons en gestation pour un album à venir. Une auto-audition pas banale, presque à poil dans son salon. Le courant passe. C’est justement de cela dont il a besoin: de courant, d’électricité, de fluide, de secousse.

Voici « Mon Amorce», 5^ème album, 20 ans après « Effets Pervers » son premier solo. Un titre en écho à « Mon Amour » et en filigrane une Renaissance tel un mouvement qui propulse pour aller de l’avant. Surtout aller ailleurs avec cette idée du groupe comme un territoire à découvrir et que l’on cherche à s’approprier par tous les moyens. L’envie de défourailler avec des flingues, des couteaux, des guitares, presque un fantasme de jeunesse. Mais avec de bonnes intentions, du moins une, tel un sacerdoce : faire la paix entre chanson et rock. Pour Dimoné, c’est le moment.

Le moment de ne plus justifier sa démarche, de ne plus en ressentir le besoin. L’instant où l’on se sent enfin prêt à déplaire même si on garde toujours l’envie de séduire. Le temps de l’assemblage est venu. 50 piges c’est un bon chiffre pour cela. Malgré les bornes aux compteurs et les honneurs multiples, Dimoné sait qu’il n’est pas attendu. Le bon moment pour changer de confort.

Ça commence par « C’est nickel », introduction à la stabilité trompeuse, parfaite pour poser le décor en trompe l’œil. Parfois, « Ça Tangue » quand guitares acérées et clavinet fringuant ne se perdent pas de vue malgré les remous. On tombe sur « Les Pages » un slam en forme d’ellipse percussive telle une respiration avant « Le Nord » tranchant et retrouvé. Et pour finir son tour de pistes « L’Amorce » en épilogue, façon de nous garder jusqu’au bout de l’aventure. 10 titres et partout une électricité organique, des riffs en pagaille mais sans gimmicks, parfois 3 guitares ensemble mais sans vacarme, laissant aux chansons, à la poésie toujours intacte de son auteur, le soin de nous surprendre et de nous séduire à nouveau.

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« Un superbe talent d’écriture et une poésie de la vie qui distillent de l’émotion et déclenchent parfois (souvent) des larmes. »​

Hexagone

« Seule avec sa basse, Marion Cousineau apporte une touche musicale rare dans la chanson, pour ne pas dire inédite. »​

Le Musicodrome

​

« Française et Québécoise d’adoption,  Marion Cousineau a su puiser de ces deux terres d’élection, le meilleur de l’écriture et du savoir-faire de la chanson francophone. »

Nos Enchanteurs

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Batlik // L’Art de la défaite
Printemps 2005, dans une churrasqueira de l’est parisien, alors qu’il entonne une chanson pour l’anniversaire de son neveu, un homme décède, étouffé par un morceau de pastèque.
Le neveu, alors jeune trentenaire employé d’ une société pharmaceutique, se reconvertit en musicien, non par vocation mais par devoir de deuil, pour que la chanson de son oncle continue d’exister.
Il enchaîne frénétiquement, à raison d’un album par an pendant 10 ans, les sorties de disques et les concerts sous le pseudonyme Batlik.
13 ans plus tard, en 2018, l’artiste rompt le rythme en s’attardant 3 ans avant de sortir son 12ème album, «l’art de la défaite».
Il en dédie les 10 titres au philosophe, poète et écrivain roumain Emil Cioran.
Nous aurions tôt fait de nous attendre à un album sombre et pessimiste, il n’en est rien.
Batlik nous livre un opus lumineux, à l’orchestration riche et savoureuse.
Calés entre une section rythmique aussi efficace qu’élastique et une auréole de choeurs et de cuivres, les textes et les riffs de batlik vous arrivent droit dans les yeux.
Les concerts de Batlik sont autant d’échappées, de perspectives, de tentatives de sublimer les mornes contingences du temps en ondes poétiques.

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BESTIAIRE et autres vers…
par FIL ALEX
et PATRICK FOUQUE( chant – piano )
Textes et musiques : Fil Alex
Arrangements piano : Patrick Fouque

Fil Alex est un acteur – chanteur !
C’est donc un acteur qui chante, ou un chanteur
qui fait l’acteur ! C’est en tout cas une race d’artiste en voie d’extinction, et il se bat pour sa survie.
Il arpente la scène… il marche, il trotte,
il court… il rampe… il est tour à tour
au fil de ses chansons, serpent, lion, matou,
rat d’égout – rien ne l’effraie ! – vermine… – que sais-je encore ? – Il est tout ce que nous
aimons, tout ce que nous craignons aussi.

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L’étrange et la beauté se conjuguent pour dessiner une princesse. La mythologie côtoie la farce sur les chemins escarpés d’une dérision réjouissante. Une voix puissante qu’elle sait ramener à la douceur porte des histoires fantastiques. Des personnages orientaux virevoltent au gré d’une géographie déboussolée. Mystique pour rigoler ou terrienne pour rêver, elle fait de son tour de chant un théâtre antique ultramoderne.

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Simon Chouf : chant et guitare

Les chansons de Chouf sont décidément épatantes : elles nous enthousiasment dans une version rock et elles fleurissent ici sous les cordes. 

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Sly Johnson nous revient avec un nouvel ensemble de compositions aux accents hip-hop, rap et soul. Un univers à son image où les mondes se touchent sans jamais se heurter, pour construire un écrin à la fois référencé et moderne. Sur scène, Sly Johnson associe ses machines à la chaleur et au son organique du clavier, des guitares, de la basse et de la batterie. S’échappe alors un groove abrasif, une musique riche au carrefour du hip-hop et du funk ! Une performance irrésistible !

Chant, beat-box : Sly Johnson / Claviers : Laurent Coulondre / Basse :
Laurent Salzard / Guitare : Ralph Lavital / Guitare : Anthony Jambon
Batterie : Martin Wangermée

Crédit photo Alex Lacombe

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Stephan Eicher : Guitare, Chant

Reyn Ouwehand : Piano

Heidi Happy : Vibraphone, Xylophone, Mandoline, Cello, Chant

Baptiste Germser : Basse, Cor, Synthé

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des artistes toulousaines et toulousains, zinzins, zinzines ….. de la cuisine de chansons à vue, de la croche à la dièse, de la rime à elles, des emprunts … on verra bien

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Chanson française sociale et sensible
Au fil des chansons, Mariane dessine de nouveaux imaginaires, pétris de l’humanité des gens ordinaires. De Juliette à Anne Sylvestre, en passant par André Minvielle, elle parcourt les chemins de traverse, pour recueillir avec tendresse la parole des invisibles.
Dans ce solo voix-accordéon brut et organique, la puissance de la voix et des textes interroge nos révoltes face aux dominations du monde, et touche à « ce je-ne-sais-quoi » qui nous pousse, encore et toujours, à rester debout.

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En solo, contrebasse-voix

S’il se présente ici en solo, Mathieu Barbances aime jouer collectif et ce goût de l’échange imprègne la plupart de ses chansons. Quand le public lui demande de reprendre son « fils de coco », on entend le respect qu’il porte à tous ces gens qui militent pour le partage. L’apparente douceur du chanteur ne masque pas l’exigence de l’homme.

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«  BOIRE, ECRIRE, S’ENFUIR » 

Voilà 25 ans, en mars 1995 sortait « Boire » sur un label bruxellois indépendant.

Un disque au petit budget, sec, sans batterie, loin des canons de l’époque avec ses paroles rugueuses.

Ce disque a imprimé une certaine génération, a fait bouger quelques lignes, a pris une place qu’il n’était pas censé avoir dans l’histoire de la chanson.

Gréco, Birkin, Gardot, Hallyday, Bashung, Eicher sont venus puiser dans ce vocabulaire.

L’idée est de relire ce premier album avec les chansons écrites pour les autres, comme des extensions, des contre-chants.

De nouvelles chansons originales, en forme de bilan, viendront éclairer l’histoire.

Le seul musicien invité sur Boire fut Blaine L Reininger, du groupe underground californien, Tuxedomoon.

C’est cette veine qui sera poussée, d’autant plus que cette relecture de Boire est immatérielle et ne subira donc pas les contraintes de minutages des formats commerciaux.

L’album relu sous la lumière du jour, malaxé, réarrangé de fond en comble. Ses chansons présentées avec quelques mots, quelques histoires très courtes sur lesquelles viennent se greffer les chansons écrites pour les autres, celles qui font écho, celles qui les prolongent..

Comme Boire, avec son absence de batterie, ne se voulait pas être « rock », les musiciens pressentis, quatre, viennent d’autres univers ( classique-contemporain-jazz ).

L’éclairage sera théâtral. Des tableaux. Sobres.

Les instruments utilisés seront éclairés comme des pièces de musée, de collection. Plaisir des yeux.

Aux 12 titres de « Boire « qui, pour la plupart, n’ont plus été joués en concert depuis 1998, viennent se greffer :

« Merci « « Couvre feu » Juliette Gréco

« Les Avalanches « Jane Birkin

« L’attente « « 20 ans » Johnny Hallyday

« Disparaître » Stephan Eicher

« Faisons envie « Alain Bashung

« Mon beau fantôme « Mélody Gardot

LINE-UP / DISTRIBUTION 

Christophe Miossec : Chant, Guitares

Sebastien Hoog : Guitares, Basse, Choeurs

Raphael Tyss : Claviers, Cuivres, Choeurs, Machines

Arnaud Lapret : Percussions, Choeurs

Crédit photo (noir et blanc) : Richard Dumas 

Durée du concert : 90 min 

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 » Parce-que tout ce qui m’intéresse se trouve quelque part d’où l’on ne sait rien, quelque part dans le moment précis, et précieux du premier pas de l’enfant ; de ses premiers mots ; du premier orage, dont il fait semblant d’avoir peur ; de ses premières révoltes ; ses premières amours, dont il fait bien d’avoir peur ; ses premiers liens avec la mort, qui sont comme une évidence, un enchainement d’évidences, de brûlures ancestrales, toutes ces choses que l’on sait que l’on ne sait pas que l’on sait.

Je veux parler de la mémoire dans tout ce qu’elle nous permet d’oublier, ou plutôt de ce qu’il reste après l’oubli : une infinité de savoir désordonné, innommable ; une sensation du Big Bang, de l’atome, de la plante, de la bête, de l’humain.

L’humain, que l’enfant que nous sommes a goûté dans nos corps, d’abord avec le regard aimant porté sur nos parents, notre famille, nos amis, puis le coups de poignard de la désillusion quand on regarde au loin, et qui donne à l’enfant ses airs de cruauté.

Là où j’en suis : dévasté, comme tout le monde, le silence fait place à la mémoire.

Parfois je me souviens que c’est le moment de vivre, alors je l’écris, puis je le chante.

Quant à la musique, qui tient du même mystère, si la rencontre du guitariste Brunoï Zarn, docteur ès foudre, qui officie avec moi au sein du groupe BOUCAN, du violoniste Mathieu Werchowski, éleveur d’étoiles, du batteur Laurent Paris, sculpteur de rêves, de moi-même, enfant millénaire, fut une évidence, le magicien d’Oz Fritz (Tom Waits, Bill Laswell…), qui a mixé l’album en Californie avec une pincée de bave de crapaud, quelques cheveux d’ange et beaucoup de savoir faire, fit à nouveau une belle démonstration de son sens de la magie.

L’alchimie a ses secrets que la mémoire ignore, et j’ai la sensation que les chansons sortent toutes seules, qu’il suffit de lever le petit doigt pour que la terre tremble, qu’il n’y a plus qu’à lâcher les chiens…pour que les chiens s’amusent. »

Mathias Imbert

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solo guitare-voix

 »Avec beaucoup de détermination, doublée d’une bonne dose de féminisme, Garance, après avoir longtemps participé aux ateliers d’écriture d’Anne Sylvestre, vole joliment de ses propres ailes. Affaire à suivre. »

Marie-Catherine Mardi – TÉLÉRAMA 

 »Elle a une belle insolence, c’est du costaud ! « 

Anne Sylvestre, pour CAUSETTE 

 »Elle vient du théâtre et elle a à la fois ce sens de la construction de la chanson comme une petite pièce et en même temps cette capacité à l’interpréter. » Philippe Meyer – La prochaine fois je vous le chanterai – FRANCE INTER 

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Pape Amath N’diaye est né à Dakar au Sénégal. Musicien, chanteur, auteur, compositeur, interprète, il commence à arpenter les scènes à la fin des années 80 avec le groupe Exil, et se distingue au Printemps de Bourges 89 avec ce même groupe, représentant la région PACA.

Peu après, installés en Midi Pyrénées, Pape Amath N’diaye et la flûtiste–saxophoniste-chanteuse Francine Tièche créent le duo Buru en 1990. Ils révèlent une musique originale et atypique qui, durant 17 ans, les mènera à travers le monde, de festivals en scènes nationales et de café concerts en espaces plus intimistes, voire des concerts organisés chez l’habitant (tournées ADDIM-DROME)…

Ils s’enrichissent aussi de nombreuses rencontres, partageant des scènes ou assurant les premières parties d’artistes comme Claude Nougaro, Thomas Fersen, Youssou N’Dour, Salif Keita, Joe Zawinul, Nana Vasconcelos, Tinariwen…

En 2010, après un premier album Gaïndé N’diaye en solo sous le nom de Paamath, l’artiste étoffe sa carrière de nouvelles rencontres. Il croise sur son chemin, Les Staff Bend bilili, San Sévérino, Zebda… En 2014 il est nommé 1er citoyen d’honneur de la ville ou il a grandit : Villeneuve-Loubet.

Aujourd’hui il revient avec son second album, Le Nom de l’Eau.

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HIGELIN SYMPHONIE

Hervé Suhubiette, Chloé Lacan, Thibaud Defever, Aïda Sanchez

Orchestre Symphonique de l’Ecole de Musique de Tournefeuille – Direction, Claude Puysségur.

Pour sa vingtième édition, Détours de chant donne carte blanche à Hervé Suhubiette, l’un des créateurs du festival. Celui-ci choisit de s’entourer de trois autres artistes et d’un orchestre symphonique pour revisiter le répertoire de Jacques Higelin. Il prend sa plume, créée des arrangements originaux, donne un nouvel habillage à quelques incontournables mais aussi à des chansons oubliées. Higelin poète, Higelin fantasque, Higelin rebelle, Higelin flamboyant, quoi de mieux qu’un orchestre symphonique pour explorer toutes les facettes du grand Jacques.

Ce projet est une belle occasion de rassembler des énergies diverses : un arrangeur qui travaille en lien avec l’orchestre et l’équipe de l’école de musique, un ensemble musical qui s’ouvre au monde de la chanson, des répétitions, des rencontres avec les artistes chanteurs … et tout cela fédéré par l’œuvre immense d’un artiste qui accompagne nos vies.

Pour l’occasion, le Phare se transforme. Vous serez assis.

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Qu’on se le dise, Sainte est Stef !
Des airs jazzy, des textes vifs et espiègles, un franc-chanté, STEF ! conjugue la Chanson au féminin avec ironie et finesse. Sans complexe, sa bonne humeur et ses rondeurs débordent généreusement de son body noir tandis que Lucas Lemauff l’accompagne au piano, en toute complicité.
Pétillante et 100 % nature, STEF ! est le cocktail tonique idéal pour être définitivement… en pleines formes!
 » STEF ! a le rire contagieux d’Henri Salvador, la plume de Juliette et le tempérament de Muriel Robin.  » TELERAMA

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Ce qui intrigue en premier chez Mathieu Kùzylarsen, c’est qu’en chantant en français, il s’accompagne d’un oud, instrument à corde des pays du sud et de l’est. Notre homme aime voyager, découvrir et rencontrer. Il aime aussi surprendre et transformer. Après être passé par des orages et de la fureur, il offre désormais une part belle à la délicatesse. Oud, basse électrique, percussions électro-acoustiques, arrangements épurés et voix calme, Kùzylarsen et sa complice Alice Vande Voorde « ancrent les spectateurs dans un contexte imaginaire, un jardin babylonien paisible alors que le tonnerre gronde, au loin ».
Ses chansons nous parlent de ces conditions humaines qui résonnent comme insupportables, mais aussi d’amour et de sensualité. « Les mots se révèlent doucement, dans la voix haute qui semble toujours chercher, au-delà de l’insupportable surface, un peu de cet oxygène qui manque tant… Kùzylarsen chante à l’air libre. »

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Bravo ! Poésie fine et grosses blagues sont au menu du festin et c’est une réussite totale.
Le lutin surfeur qui fait des chansons tristes et des présentations désopilantes se joue de son allure. La dérision est parfaitement maîtrisée. La tendresse, si elle est habilement camouflée, est aussi sincère. Désabusé et pas désillusionné, l’homme se confie sans déballage et glisse des ritournelles moins légères qu’il n’y paraît.

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Chant, guitare : Muriel Erdödy

Clarinette, batterie : Alexis Kowalczewski

Muriel Erdödy a fait ses premiers pas sur scène au Bijou lors des sessions « Joueurs de Voix ». Elle épatait déjà le chaland par son énergie et ses qualités vocales. Alexis Kowalczewski a virevolté sur de nombreux projets, promenant son appétit d’expériences auprès des formations les plus innovantes. Ils créent à eux deux un univers sonore et poétique éblouissant. Ils ont trouvé la recette de l’objet artistique exigeant et accessible : bravo !

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ORLY, un poète urgent, un pianiste en transit et un sorcier souffleur.

 » La pluie les a soudés l’un à l’autre « pour une épopée de notes et de mots. Une écriture raffinée, parfois drôle, souvent âpre voire brutale, mais jamais dénuée de tendresse et de poésie, le tout tinté d’une mélancolique sensibilité.

ORLY c’est une voix rauque, une voix de tabac et de fumée qui s’élève dans des flamboiements insensés. Passion, lyrisme, cris et chuchotements …

C’est aussi une présence, une folie, une dimension poétique soutenue par une musique qui l’accompagne, le soutient, l’emporte, l’épaule, nuance une ombre, caresse, percute, suspend.

Ça respire ensemble à chaque phrase et ça expire aussi à la fin des mélodies. Un trio puissant qui ajoute à la musique une imagerie romantique, un duel à trois qui sait se faire terrible et tendre à la fois.

Trio composé de trois artistes d’horizons différents.

Samuel Veyrat

Depuis toujours, il fait sonner les mots, nourrit depuis sa tendre enfance aux Ferré, Brel, Barbara et autres grands.

Il s’est d’abord illustré dans le rap et autres musiques urbaines avant de revenir à la chanson notamment pour le duo From&Ziel avec lequel il sillonne la France pendant une dizaine d’anées.

Ian Zielinski

Avec un parcours plus « classique » il arrive à la chanson par accident… Une rencontre, un projet mais aussi le plaisir d’enfreindre les règles acquises lors de sa formation de musicien. Il délaisse alors son violoncelle pour apprivoiser les cordes frappées et forme avec Samuel le duo From&Ziel.

Xavier Bussy

Lui vient du jazz, mais pas seulement.

Compositeur pour l’image (cinema / pub / docs), il est aussi un fin arrangeur qui travaille pour de nombreux artistes; ce qui lui a valu une Victoire de la musique en 2009 pour l’arrangement de la chanson de l’année.

L’alchimie sonne ici comme une évidence.

Textes et chant Samuel Veyrat

Piano et composotions Ian Zielinski

Saxophone, clarinettes, mélodica, glockenspiel et arrangements Xavier Bussy

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MC, Chant : Andréas Touzé

Guitare, Machines : Florian Soulier

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Belfour a deux visages. Lucie sait la force des mots, le torrent des colères et la quiétude du courant qui emporte les chagrins.

La guitare de Michael suspendue aux lèvres d’une poésie poignante et lumineuse, fouette un air chargé d’électricité, laissant de profondes marbrures dans la chair électronique des chansons. Artisans du son et amoureux des mots, le duo explore avec brio l’intime et ses failles sous une lumière nouvelle entre chanson, rock et trip hop. De la Coopérative de Mai au Zénith de Paris, ils ont déjà sillonné la France en première partie de grands artistes tels que Gaetan Roussel, Benjamin Biolay, Bertrand Cantat… En attendant un disque prometteur bande son d’un road movie solaire et tragique, un premier clip mis en image par le producteur Walter Film (Echoes Arte, Chanel, Malik Djoudi…) prévu en octobre est d’ores et déjà sélectionné au Festival International du Court Métrage de Clermont Ferrand en 2021.

Un duo singulier tout de douceur et de hargne qui ne cède ni à l’urgence ni à l’air du temps.

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Quelques pincements de corde, un silence, un souffle… et une voix.
Une voix tantôt grave tantôt saline qui chante le réveil et la prise de conscience,
le voyage intérieur et extérieur… l’écume des relations.
Des couloirs du métro aux salles de concert, VASLO nous embarque au large du brouhaha citadin sur une chaloupe folk/pop mélodique.
Bercé par les textes de Brel, la voix de Buckley, la musique classique, le klezmer, le fado portugais et la musique de film, il nous emporte dans ses transes vocales.
En avril 2017, VASLO a autoproduit son premier EP Réveil.
En novembre 2017, son titre Amor(t) fait l’unanimité auprès du jury de la Nouvelle Star sur M6 (Benjamin Biolay, Cœur de Pirate, Dany Synthé et Nathalie Noennec) et du public.
Accompagné en 2018 par la Manufacture Chanson (Ben Mazué, Garance, Gauvain Sers) et le dispositif Décibels de la ville de Pontoise, VASLO n’a pas fini de nous faire voyager…
En avril 2018, il gagne le premier prix du Carrefour de la Chanson de Clermont-Ferrand ainsi que le prix du public.
VASLO se produit aujourd’hui en trio accompagné de Martina Rodriguez au violoncelle et de Pierre Mahier à la batterie.

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Chanson française sociale et sensible
Au fil des chansons, Mariane dessine de nouveaux imaginaires, pétris de l’humanité des gens ordinaires. De Juliette à Anne Sylvestre, en passant par André Minvielle, elle parcourt les chemins de traverse, pour recueillir avec tendresse la parole des invisibles.
Dans ce solo voix-accordéon brut et organique, la puissance de la voix et des textes interroge nos révoltes face aux dominations du monde, et touche à  ce « je-ne-sais-quoi » qui nous pousse, encore et toujours, à rester debout.

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Un piano droit, une guitare classique, une voix. C’est le nouveau spectacle de Magyd, un show débarrassé d’électricité pour être nu, pour être vrai, pour être libre. Tout à coup le mot s’élargit, prend l’espace et dévoile les doubles sens. On saisit instanément la teneur multiple d’une phrase, la fragilité d’une voix. On appréhende des peurs, des zones d’ombre, un souffle, une gourmandise. Magyd c’est d’abord une écriture et son écriture ce qu’il a de plus intime à offrir.

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« Décédée en 1997, Colette Magny a laissé au patrimoine de la Chanson Française une œuvre capitale, pionnière artistiquement à bien des égards, utile et nécessaire par son engagement, et exemplaire d’humilité humaine, d’honnêteté intellectuelle, dont pourtant à ce jour l’envergure n’est que rarement évaluée à sa juste mesure.

C’est par le biais narratif d’une pièce où s’entrelacent récit historique et considérations militantes, interprétations de chansons et dialogues imaginaires entre la comédienne et la chanteuse, que Faïza Kaddour, prêtant sa voix à la gouaille de Colette Magny, raconte et fait revivre avec poésie une époque, une artiste, le sens d’une vie, la pertinence d’un propos aux résonances terriblement actuelles, dans un spectacle vif, drôle et attachant qui interpelle, bouscule et attendrit chaque spectateur ». le blog du doigt dans l’oeil

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Certain que ce spectacle ne ressemble à aucun autre. Poésie giflante et rock caressant. Roland Bourbon fouette ses tambours sauvages depuis plus de quinze ans au côté de son ami, autant dire qu’il a l’habitude de s’aventurer sur des chemins buissonniers. Frédéric Jouhannet, nouveau venu, fait danser deux violons des pays martiens de l’est avec une jovialité rare. Quant à Nicolas Jules, l’air de rien, toujours l’air de rien depuis plus de vint cinq ans, tu vas te rendre compte en trouvant ça impensable que ses chansons parlent de toi.

« Il ne cède rien ni à la mode ni à la facilité » Valérie Lehoux / TELERAMA

« Il est vivant et drôle, sait mettre en scène des émotions simples, sans tomber dans le pathos; et surtout, phénomène rare, Nicolas Jules ne ressemble à personne » Mourad Guichard / LIBERATION

« Un personnage très poétique mais pas d’une poésie facile » Hélène Hazéra / FRANCE CULTURE
« Un spectacle où l’on rit beaucoup (…) et où résonne parfois une autre voix, plus profonde, plus nostalgique, plus sombre » Gilles Médioni / L’EXPRESS

« Un artiste inhabituel, original et poétique » FRANCOFANS

« Ne vous fiez donc pas aux apparences : si on rit dans les spectacles de Nicolas Jules, c’est d’abord de plaisir. Le plaisir d’avoir rencontré un artiste précieux, hors des tendances et des mode » Olivier Flandin / CUTUREBOX – FRANCE TELEVISION

« Lorgnant davantage sur le blues crasseux que sur la joliesse polie d’une chanson française aseptisée (…) Nicolas Jules se soucie des étiquettes comme d’une guigne et évolue depuis ses débuts avec patience et discrétion » Catherine Thieron / LA MÉDIATHÈQUE DE BELGIQUE

« Des textes tout fins et ciselés sur des musiques qui flirtent avec le blues et les sonorités americana » Marie-Christine Blais / LA PRESSE (MONTRÉAL)

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chant : Marie Vérole

piano : Freddie Phyllis

De la chanson coquine, polissonne, mais pas paillarde ! Ici les histoires sont suggérées, sans vulgarité, et n’en sont que plus savoureuses, gorgées d’humour et d’un brin de poésie. Marie Vérole pioche dans un répertoire qui s’étend du XVIIIe à nos jours. A toutes les époques, des esprits libertins ou joyeux ont versé dans la gaudriole ou le contrepet. Venez écouter quelques auteurs inattendus et faire de belles découvertes pour prendre les « choses en riant » avec des invités surprises sur quelques chansons.

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Baptiste Dupré : chant, guitare folk
Jonathan Mouton : basse
José Ramanoelina : violon, trompette, scie musicale, chœurs
Julien Desrumeaux : guitare, chœurs
Adrien Chambon : batterie 

Baptiste Dupré le bien nommé, vient d’Ardèche,
Où il est aussi… guide accompagnateur en montagne. Ce qui ne surprendra pas ses auditeurs, tant la nature et les grands espaces nourrissent sa poésie.

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Marjolaine Piémont : écriture et chant

Quentin Bécognée : guitare

Son œuvre rappelle que la liberté s’use quand on ne s’en sert pas. Marjolaine Piémont s’autorise tout. Elle le chante avec intelligence et malice, bousculant d’autant plus quelques codes qu’elle les maitrise à la perfection. Chansons mutines et fières revendications chatouillent l’auditoire.

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Yanowski : chant

Fred Parker : piano

Le fantastique descend au plus profond de l’humanité, le merveilleux s’entrechoque avec l’horreur. Le Cirque des Mirages dépeint une étrange société que vous reconnaitrez peut-être. L’effroi glace les plus téméraires. Voir leur spectacle est une expérience totale. L’humour est aussi fin que la rhétorique est implacable. La musique est aussi belle qu’effrayante.

Entrez dans le Delusion Club, un cabaret-théâtre qui défie nos sens et bouscule nos habitudes. Tour à tour conteur inquiétant et chanteur envoûtant, Yanowski se déploie dans une gestuelle saisissante. Au piano, Fred Parker martèle une étrange rythmique avec une précision de métronome. Ecrivains hallucinés, poètes assassins, voyageurs sans bagage, de chansons en histoires, découvrez un cortège de personnages décalés dont le point commun est de participer à la marche boiteuse du monde. D’illusions en désillusions, ces explorateurs donnent à voir, à rire, à penser et font surgir un invisible qu’on ne soupçonnait même pas.

• La presse

« Entrez dans le Cirque de ces mirages fascinants, qui se chantent, se miment, se racontent et se jouent de nous, en nous plantant dans la tête mille images étourdissantes. » TTT Télérama

« Troublant et décadent, fantastique et fantasmagorique, drôle et inquiétant, tel est le duo étrange et sensationnel du Cirque des Mirages. » Pariscope

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Nawel Dombrowsky : chant

Jessica Rock : piano

Rêvé et pensé par Nawel, « Les Femmes à la cuisine » est un spectacle musical dont les chansons originales ont été écrites et composées par Yanowski.

Passant d’un personnage à l’autre, Nawel voyage entre le burlesque et la poésie, le rire et l’émotion. Dans une direction artistique qui laisse toute sa place à l’interprétation, elle est accompagnée d’une pianiste, d’une contrebassiste et d’une batteuse. Un tour de chant féminin et féministe mais surtout et avant tout humain et humaniste.

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Poète d’une intensité rare, Philippe Forcioli donne des ailes aux évidences, de la force aux papillons et du rêve à qui veut l’entendre.

Qu’il chante ses textes ou ceux de Delteil, Brassens ou Cadou, il offre une chance au genre humain.  Qu’on le suive sur les traces du vent et qu’on arpente les sentiers rocailleux de l’essentiel !

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spectacle tout public à partir de 8 ans

Boule : Chansons, narrations, bruitages

Richard Destandau : Théâtre d’ombres

C’est l’histoire du petit Georges, né le 22 octobre 1921 à Cette (qui deviendra Sète en 1928), de son enfance méditerranéenne à sa rencontre en 1952 avec Jacques Canetti qui lui fera enregistrer son premier disque et rencontrer le succès.

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Julia Pertuy – Violoncelle, Piano, Chant
Florian Soulier – Guitare, Machines

Musicienne accomplie et auteure exigeante, elle est aussi une chanteuse convaincante.

Elle passe du piano au violoncelle avec une même aisance et propose des climats différents suivant les chansons. Elle aborde les thèmes qui lui importent et sait leur donner une trajectoire onirique pour émouvoir et faire rêver. Elle présente ici son nouveau spectacle en duo avec Florian Soulier.

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Christophe Miossec : chant

Mirabelle Gilis : violon, mandoline, chant

Seb Hoog : guitares, choeurs

Laurent Saligault : basse, claviers, choeurs

Guillaume Rossel : guitare, piano, batterie

«  Boire, Ecrire, S’enfuir »

Voilà 25 ans, en mars 1995, sortait « Boire » sur un label bruxellois indépendant. Un disque au petit budget, sec, sans batterie, loin des canons de l’époque avec ses paroles rugueuses.

Ce disque a imprimé une certaine génération, a fait bouger quelques lignes, a pris une place qu’il n’était pas censé avoir dans l’histoire de la chanson… Gréco, Birkin, Gardot, Hallyday, Bashung, Eicher sont venus puiser dans ce vocabulaire.

Boire, Ecrire, S’Enfuir est une relecture de ce premier album avec les chansons écrites pour les autres, comme des extensions, des contre-chants.

De nouvelles chansons écrites et chantées avec Mirabelle Gilis, pendant le confinement, viendront éclairer l’horizon.

Présentation

Un jour de l’été 2003, à la fête du travailleur catalan, un grand type dégingandé sautait au pied d’un jeune arbre pour atteindre les feuilles de la cime. Un peu plus tard, on le voyait sur scène en première partie d’I Muvrini. Et là, il touchait le ciel. Qu’il chante l’amour ou le poulet-frites du dimanche midi en famille, il donne de l’importance à chaque mot, à chaque note. En novembre de la même année, on avait pu le voir au Bijou. Depuis, il chante, il compose, il écrit des chansons et des livres, toujours avec la même rage saine et courageuse. Son nouveau spectacle est à relier au disque, au court-métrage, à la nouvelle et au livre « Cavale » : tout ça constitue une œuvre éclatante.

Présentation

Un peu sorcière, baguettes à la main, Claire Gimatt convoque des mondes surnaturels. Un vent de liberté souffle sur ses chansons luxuriantes, peuplées d‘aventurières, ses « convives imaginaires », d’arbres qui tirent leur révérence, de tableaux surréalistes qui prennent vie.

L’utilisation des machines (spd-sx et clavier nord) lui permet de créer un spectacle immersif, aux sonorités atmosphériques.

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En tricotant doutes et convictions, Mymytchell crée un écheveau de libertés qu’on se gardera bien de démêler. Elle clame ce qui compte pour nous épargner les décomptes inconsistants et on embarque avec elle pour un ailleurs fraternel et joyeux.

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Leïla Zitouni : harpe et chant

Barbara Lamothe : piano et violon

Avec ce duo d’artistes épatantes, on a vite fait de passer du rire au swing, d’une poésie orientale à des affres d’Occident, de rêves éthérés à des constats crus, aussi vite qu’elles passent d’un instrument à l’autre. Elles n’hésitent pas à jouer de fausses candeurs pour évoquer une spiritualité qui bouscule les clivages inutiles.

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Louise O’sman : chant, accordéon, textes, compositions et arrangements

Voilà un solo qui vaut un orchestre. Nous sommes conviés dans une ville étrange, portés par un conte fantastique et des arrangements superbes qui offrent de belles places tantôt à l’accordéon, tantôt à la voix puis à leur union. L’intensité mise dans l’interprétation correspond à l’exigence de la création. La poésie, sussurée et clamée, vogue sur des notes d’espoir.

Présentation

Nadine Rossello : guitare, accordéon et voix

Didier Dulieux : accordina

Une création autour de textes et poèmes de femmes corses et italiennes. Il sera question de Rébellion, Insularité, Beauté, Exil, Liberté, Larmes et Amour …

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Alice Besnard : chant

Eloïse Chadourne : chant

Nadine Rossello : chant & direction artistique

En trio pour un retour aux sources de la polyphonie corse féminine, pour revenir à l’harmonie d’origine, a capella. Un chant de témoignage, de tradition mais aussi de création, pour tout raconter, du profane au sacré, du plus léger au plus grave, de la façon la plus simple à la plus poétique. Un chant puissant, enraciné qui libère les harmoniques et favorise l’improvisation.
 Un chant construit pour souligner la singularité de chacune et favoriser la cohésion de l’ensemble. Un chant de transmission orale sauvé par quelques âmes conscientes d’une richesse à ne pas perdre, et qui renaît depuis quelques années avec ferveur.

Trois chanteuses dans un programme original et varié qui rend hommage aux femmes corses dont les chants profanes et sacrés rythmaient et rythment encore la vie quotidienne.

Présentation

Pince sans rire et dérision sont les mamelles où puise l’auteur. Facétie et sourire en coin sont les complices de l’interprète. Ce qui ne l’empêche pas de jouer fort bien de la guitare et de chanter avec élégance. Cet homme du Monde nous apporte des nouvelles du sien et on peut s’attendre à quelques surprises.

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Marine Bercot : voix, clavier
Pierre Durand : guitare électrique, voix, beatbox

C’est un concert splendide découvert au Printival de Pézenas en 2019 à l’occasion de la remise du Coup de coeur Charles Cros. Marine Bercot trimbale un mystère qui guide l’auditeur vers une conclusion qui ne vient pas, elle vogue de tendresse en rage, de douceur en attaque. Elle explique qu’elle chante parce qu’elle écrit. Les mots crus servent une pensée précise et les phrases choc ouvrent l’esprit. L’élégance et la beauté des mélodies font l’écrin de ce diamant brut.

Présentation

Sandra Campas St Jean : claviers, chant, percussions

Frédéric Jean : guitare, chant

Tropic Hotel est un duo de chanson dont l’univers musical prend racine dans la bossa nova et la pop anglaise des années 60. On a connu Frédéric Jean au sein d’Hyperclean et Sandra Campas auprès de Maria Dolores. Leurs univers musicaux ici croisés donnent naissance à une œuvre légère où humour et sentiments font bon ménage.

Présentation

Beatriz Salmerón Martín : chant et percussions

Emanuela Perrupato : chant et percussions

Emma Spiesser : chant et percussions

Fouad Achkir : chant et percussions

Frédéric Faure : percussions

« Maita Chén » est la création 2021 que le groupe vient présenter pour la première fois à Toulouse.

C’est un hommage à la terre mère (nature et femme), un écho aux luttes et aux voix qui montent pour défendre notre environnement naturel, et un soutien aux luttes féministes. Chet Nuneta explore les richesses liées à la rencontre musicale de ses membres, chacun apportant dans ce nouveau projet ses influences, ses désirs, sa signature vocale et percussive. Originaires du Maroc, de France, d’Espagne et d’Italie les membres du groupe partagent dans leurs musiques leurs héritages multiculturels. Beauté des voix et puissance des percussions : terrible !

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en première partie :

Jérome Pinel : textes, voix

Julien Bouttard : guitare

Charlotte Couleau : claviers, choeurs

Conteur captivant et slameur performant, Jérome Pinel se découvre chanteur. Son absolue sincérité et la puissance qu’il dégage sont au service d’un propos sans concession. Ses histoires sont cruelles autant qu’elles sont belles. Et cette nouvelle mise en musique les propulse sur des sommets imaginaires.

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Jeanne Rochette : compositions, chant et piano

François Puyalto : basse électrique

Côme Huveline : batterie et guitare électrique

« Jeanne Rochette c’est une émotion maitrisée, fragile et forte. Ce sont des petites histoires comme des perles, comme dessinées à la ligne claire d’Hergé. » Hélène Hazera Chanson Boum, France Culture

Présentation

Luciole / Lucile GERARD : Chant

Clément SIMOUNET : Clavier, Basse, Guitare

Benjamin James TROLL : Batterie

De slam en chanson, Luciole distribue quelques avertissements. L’arbitrage est délicat. L’arbitre s’envole avec le ballon. Le lest est lâché. Un fétu de paille fait levier sur le roc. La douceur de l’interprétation porte la gravité du propos et l’auditeur est suspendu à un fil de soie. On entendra la clameur du temps autant que les questions de toujours.

Présentation

S’il tourne un clip dans un atelier de brocante, il n’y a rien d’étonnant. La recherche constante de la perle rare caractérise le personnage. L’absolu des sentiments, la cruauté de la vraie vie et la beauté des éléments portent une œuvre originale. L’intensité de l’interprétation est au service d’une écriture ciselée. Le chanteur a bien profité des expériences de l’homme.

Présentation

Ava Carrere : chant et percussions
Ismael Colombani : chant et cordes
Emilie Alenda : basson et sati
Osvaldo Hernandez : percussions

Un soir d’octobre 2020, le concert prévu au Botanic (à Bruxelles) est présenté en plein air pour raisons sanitaires. Le fond de l’air est frais…. Il est vite réchauffé par Les Sages, remontés comme des pendules. Le duo que nous avons déjà vu à Toulouse partage désormais la scène avec deux joyeux complices. Le monde est mis en musiques. Les histoires traversent les langues et les contrées. Les humains se trouvent et les frontières stupides se désagrègent. L’humour teinté de douce folie habille une fougue subversive intelligente et subtile. Leur cinéma fantastique mérite l’Oscar !

Présentation

Jur Domingo : chant
Julien Vittecoq : guitare, piano, chant

Sébastien Bacquias : contrebasse

Frédéric Cavallin : batterie

Il y a dans l’univers de JUR des chapiteaux où le cirque se fait contemporain, où les corps s’expriment. Il y a l’accent catalan et la voix grave et brûlante d’une chanteuse et des chansons entêtantes qui naviguent entre l’élégance folk de Léonard Cohen, les fêlures de Lhasa, la mélancolie un peu déglinguée d’Arno et le groove des Portishead. Il y a des photographies qui ont capturé des cris d’enfants. Et il y a l’ombre bienveillante d’un Tony GATLIF qui a choisi une de leurs chansons pour son film Geronimo sorti en 2014.

L’univers de JUR ne ressemble à aucun autre, on part pour un voyage dans un monde inexploré, singulier et attachant où la musique est porteuse d’un élan vital.

Présentation

Texte, musique et mise en scène : Pierre Notte
Avec : Pauline Chagne, Marie Notte, Pierre Notte, Clément Walker-Viry
Arrangements musiques : Clément Walker-Viry

« L’homme pénètre, la femme est pénétrée. »

À la barre, Weinstein lui-même. Une femme de chambre de Sofitel. Une star abusée. Une gamine de treize ans… Christiane Taubira ou Élisabeth Badinter s’imposent en avocates des plaignantes. Le verdict tombera, mais l’homme, patriarche phallocrate avec déambulateur, observera alors des changements bien surprenants… Fête des sexes opposés avec chansons, le spectacle synthétise en musiques le phénomène « Me too ».

Une pièce de genres. Il offre un spectacle extrêmement vivant, inventif, amusant, aux côtés de trois jeunes artistes superbement efficaces dans leur performance physique et musicale, Philippe Tesson FIGARO MAGAZINE.

Pierre Notte a déjà été accueilli par Paradis-Éprouvette. Souvenez-vous de sa conférence gesticulée  « l’effort d’être spectateur ». Succès au Théâtre du Centre en septembre 2018.

Production Théâtre du Rond-Point, compagnie Les gens qui tombent, YDB Productions
Coproduction et création en avril / mai 2021 au Théâtre du Pont Tournant – Bordeaux, au Théâtre de la Roële, Villers-Lès-Nancy, avec le concours des deux Îles, résidence d’artistes – Montbazon, Coréalisation Théâtre du Rond-Point, avec le soutien de « L’Atelier en mouvement »

Présentation

Julie Castel Jordy : Texte, voix, clavier, thérémine, clavier

Gérald Gimenez : Composition, guitare

Dimitri Kogane : Batterie

William Laudinat : Trompette, synthétiseur

L’invention est au coin de la phrase, l’aventure est au coin de la note. Ça déboussole et ça remet dans l’axe. Lotus Titan met la force au service de la douceur. Il faut crier sa rage pour laisser deviner des mots tendres.

Présentation

En solo clavier-voix, Suzanne Belaubre égrène des chansons qui lorgnent du côté de la musique électronique. Elle a réalisé son album DIY en totale autonomie. Légèreté et gravité s’entremêlent pour constituer une œuvre particulière.

Présentation

Chroniques musicales satiriques 

Le spectacle a explosé pendant le second confinement en quelques jours puis est revisité pour chaque représentation.

Y est dépeint notre petit monde.

On pleure, on s’aime, on rit, on s’étonne, on s’interroge, on vit, on rêve, on espère.

Avec Olivier Nebout dans le rôle de la Terre, de la mère, du piano dactylo, de madame La Banquise, du pigeon de service, du vieux tribun …

Et

Michel Steiner dans le rôle de Janes Birkin, de l’éternel ado jamais content, du pirate du web, du visionnaire, du jeune énarque, du trader, du banquier, de Serge Lama, Bourvil, Renaud, Johnny, initiales BB, Michel Jonasz …

Présentation

Entre slam et chanson, des textes débités à toute allure avec une diction parfaite et un entrain communicatif. C’est culotté, iconoclaste, drôle et émouvant. Une bombe de sentiments et de réflexions prête à exploser.

Présentation

Mais qu’est-ce donc que ce groupe Delgres dont voici le premier album ? Un trio de blues caribéen, un blues d’aujourd’hui chanté le plus souvent en créole, né il y a déjà quatre ans de la rencontre de Pascal Danaë avec le batteur Baptiste Brondy et le joueur de sousaphone Rafgee. C’est surtout une aventure intime, un voyage intérieur où la musique devient le véhicule imaginaire, quoique vibrant, d’un vécu personnel, d’une histoire familiale. Et plus largement, du destin d’une partie du monde marquée par le déracinement et la difficile conquête d’une identité. La musique de Delgres est rebelle et brûlante, elle nous parle d’un message séculaire, celui du déracinement et de la conquête d’une identité

Présentation

L’Olivier chante ses textes avec le cœur, donne de la voix pour tous, seul ou à plusieurs et cette fois-ci en duo. Il sera accompagné par Edouard Bertrand au piano.
Avec des compositions imprégnées d’influences diverses (hip-hop, jazz, électro, chanson traditionnelle…), son et énergie se déploient sur scène avec générosité à travers une musique de caractère, aussi intime que décomplexée, dans un échange constant avec le public.

Présentation

Matéo Langlois : piano, Rhodes, beat-box, saxophone et chant

Martin Jaussan : basse

Pablo Echarri : batterie
Matéo Langlois est un artiste libre. Chanteur au grain singulier, il fait cohabiter des textes elliptiques et de nécessaires évidences avec des sonorités enchanteresses. Désormais accompagné, il anime un étonnant trio jazz-rock électro vivant. Les influences sont nombreuses dans ce projet de chansons futuristes, les corps sont en mouvement, le groove se transforme en transe et ça s’envole joyeusement.

Présentation

Cessyle : guitare et chant

Maëlle : violoncelle

Humour et énergie caractérisent Cessyle. Ses chansons chahutent les bons sentiments et ça déménage en douceur. Elle cisèle des satires du quotidien et commet quelques détournements joyeux des débats actuels.

Présentation

Pour défendre son nouvel album prévu en octobre 2022, Yves Jamait repart dès cet automne sur les routes à travers l’hexagone, accompagné de ses « musiciens-copains » présents sur les deux dernières tournées (Samuel Garcia, Jérôme Broyer, Mario Cimenti).

Au programme : titres de son nouvel album et chansons tirées de ses disques précédents, ceux qui l’ont placé en « chef de file » de la chanson française.

Le spectacle sera chansigné par Isabelle Guicherd (traduction en langue des signes).

Présentation

Auteur-compositeur par métier et éducateur populaire par passion, Samuele manie aussi bien les mots chantés qu’écrits ou parlés.  Multi-instrumentiste, c’est par la musique qu’iel partage sa poésie depuis toujours. Son amour de la scène est né à l’adolescence alors qu’iel produit dans les les bars underground de Montréal avant même d’avoir l’âge légal d’y entrer. Sa démarche artistique est ancrée dans la croyance que le récit personnel et l’expression artistique sont des outils de changements sociaux . C’est en 2016 déjà fort du « Z’album », son premier long jeu paru l’année précédente, que sa carrière prend son envol lorsqu’iel remporte la 48e édition du Festival international de la chanson de Granby.

Au printemps 2017, Samuele lance « Les filles sages vont au paradis, les autres vont où elles veulent » qui reçoit deux nominations au gala de l’ADISQ pour album alternatif et révélation de l’année. En France, l’album reçoit un Coup de Cœur Chanson 2018 au Festival Voix de Fête de Genève décerné par l’académie Charles Cros. La tournée qui suit l’amène à faire plus d’une cinquantaine de spectacles en Europe parcourant la France, la Belgique, la Suisse et même le Luxembourg. C’est au Festival de Musique Émergente en Abitibi-Témiscamingue de 2018 qu’est lancé un EP intitulé « Dis-moi ». Les critiques, tout comme le public, sont au rendez-vous au Québec comme en Europe.

L’année suivante marque un moment décisif de sa carrière et de sa vie personnelle. En plein épuisement professionnel et questionnement sur son genre, Samuele prend une pause de la scène pour se donner l’espace de faire une transition de genre.  À l’automne 2019, à la suite d’une chirurgie d’affirmation de genre, Samuele s’assume trans et non-binaire. Reposé et en paix avec lui-même, un sentiment qui l’avait quitté refait alors surface: l’envie de créer.

Présentation

Attention : pas de CB au guichet ni de distributeur à proximité. Il vaut mieux prendre vos places sur Festik en suivant le lien de réservation. 

« Fais entendre ta voix / Libère-toi de tous les faux combats / L’espérance est un plat qui se mange froid / L’évidence n’est pas là pour nous dicter sa loi » : la chanson L’Importance de l’hiver nous rappellera peut-être, dans quelques années, ce qui a aidé à traverser l’année 2020 : entendre « au loin chanter le vent d’été », deviner l’espoir des fleurs sous le gel de la saison froide, tout en admettant le paradoxe troublant qu’« on tue des chenilles mais on aime les papillons ».
Debout sur le Zinc nous offre la poésie de ses chansons neuves, aux couleurs si singulières et si familières à la fois – un univers où s’invente un territoire commun entre l’écriture des maîtres de la chanson française, l’élégante simplicité du folk anglo-saxon et l’énergie conviviale du rock… Avec ce dixième album studio, le groupe confirme sa place unique dans le paysage musical français – un lien singulier d’amitié avec son public, comme si Debout sur le Zinc était l’ami qui sait toujours mettre des mots sur les expériences et les sensations qui d’habitude restent dans la sphère de l’intime.
L’Importance de l’hiver est un album qui parle de nous, peuple aux humeurs chagrines et aux sourires soudains, à l’amour gentiment fou et aux passions patientes, au découragement politique et à l’élan fraternel. Il fallait Debout sur le Zinc pour faire W, chanson de deuil qui se danse, L’Orage qui met en scène la rencontre fortuite de deux ex, Reste là qui prend pour une rupture l’instant où l’aimée s’absente le temps d’une course, Zones d’ombres qui interroge sur ce que chacun tait…

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Chanteuse, flûtiste, auteur, compositrice et arrangeuse Franco-Japonaise.

Maïa est une artiste unique mélangeant les chants ancestraux Japonais avec du  rap franco-Japonais, groove, electro, chanson avec une grande liberté.

L’une de ses particularités est sa grande technique vocale – largement inconnue  provenant d’une île au Sud du Japon  qu’elle associe à sa flûte traversière, percussive et insolente .

La presse allemande la nomme « la Shaman punk! »

Maïa a cette capacité exceptionnelle à réaliser des mélanges improbables. C’est de là que naît son style inimitable et reconnaissable.

Bercée par la musique dans le sillage de son père Pierre Barouh, Maïa se met très tôt aux instruments comme le piano, la guitare et la percussion. Mais la flûte a été sa première arme pour affronter le métier.

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Yoanna revient avec son accordéon et son complice Mathieu Goust à la batterie. Sincères, provocatrices mais pleine d’autodérision, ses chansons sensiblement brutes et instinctivement féministes ne laissent pas indifférent.

Elle arrive seule sur scène, parait fragile derrière son instrument, mais ne vous y fiez pas. Présence magnétique, riffs d’accordéon percutants, refrains comme des slogans, chaque chanson est un combat qu’elle gagne sans frémir malgré les doutes qui percent au travers de ses textes.

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CROLLES, c’est Amandine Chevigny et Leïla Chaarani. Amandine fait plus d’1,80 m, Leïla moins d’1,60 m. Toutes deux sont comédiennes, chanteuses, vivent à Bruxelles et ont des crolles !

Leur 30 cm de différence ne les empêche pas de mêler leurs voix et de nous embarquer dans leur univers à capella. Leur set de compositions personnelles est en français. Jouant autant avec les mots qu’avec les harmonies, elles nous font vivre un voyage musical aux influences variées: jazz, slam, rap, musique traditionnelle et chanson française.

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« Cette langue rare, c’est la mienne. Qu’importe son nom. Elle sonne. Et les musiciens du Projet Saint Rock savent en faire résonner le meilleur. J’ai toujours entendu ma langue sonner. Avant de faire danser ses mots sur une scène, j’ai d’abord voulu l’amplifier. Ses diphtongues, ses formes raccourcies. Je sentais qu’elle était faite pour ça. Il m’a fallu faire un long détour par les mots des histoires, pour éclaircir ce qui me semblait lumineux. Elle est devenue une langue de scène revivifiée, hors de sa cabourne natale. Il était temps de la rebrancher sur le secteur, exprimer son énergie neuve. Parce que ses mots sont jeunes et disent leur part avec une fraicheur que n’ont plus les langues lasses, les grosses langues pesantes à force de porter le faix du monde. » Yannick Jaulin

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Voilà deux magnifiques diseurs/chanteurs, aux parcours artistiques des plus éloquents, qui associent leurs mots et scansions. Fiers et Tremblants est un projet qui croisent leurs textes autour de nouvelles compositions de Marc Nammour et La Canaille.
Une proposition scénique au coeur de notre époque, liée à une certaine idée de la chanson et d’un hip- hop ré-inventés.

Dans la lignée d’Aimé Césaire ou de Léo Ferré, ils chantent poings levés et chiffons rouges au bout du cœur la gloire des petites gens.

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Fallait pas l’énerver.

Son album précédent « Tour du monde » nous l’avait montrée sage et plutôt douce, charmeuse aussi, enrobée d’une musique chaude et boisée aux accents classiques plutôt rassurants.

Mais ça c’était avant.

Avant qu’elle ne décide de mettre son humour décapant au service de nouveaux textes bien plus incisifs !

L’injustice, la précarité, le patriarcat, la course sans fin de l’ultra libéralisme, tout le monde en prend pour son grade !

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La Fé : guitare-voix

Une apparente douceur qui met tout le monde à l’aise, une voix claire et une expression directe : La Fé envoute son public et glisse le ver dans les têtes. La rage qui l’anime trouve son chemin dans une poésie qui expose failles et fêlures avec délicatesse.

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Malo Texier : guitare-voix

Un engagement affirmé et des qualités vocales hors normes pour un répertoire enjoué et malicieux.

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Bercé : guitare, piano, chant

Une voix claire qui n’a pas peur d’affronter la gravité, une jeunesse qui connaît la désillusion,

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Arbas a de cette douce sauvagerie qui jaillit en éclats musicaux aux travers des feuilles de sa forêt.

​Chez elle, la Femme est si grande que la pluie la touche en premier (« Cheyenne ») et le coeur de la Terre un incendie permanent, bouillon écarlate sous nos pieds (« Magma »).

Sa poésie lui a été soufflée dans l’oreille par Nougaro, ses tours et jeux de voix par Camille et la ferveur qui l’anime sur scène par Patti Smith.

​Seule avec son ukulélé et son looper, ou accompagnée par Matthieu Mancini au clavier et à la basse et Chris Astudillo à la batterie et aux percussions, elle sème sur son passage des chansons teintées de pop et d’exotisme, de fièvre et de malice.

​Arbas chante les arbres, la terre et les océans, la Femme, l’ivresse et l’amour.

​Elle chante et sa chanson est sauvage.

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Oiseau-caméléon née à Toulouse, Rat’Shak est une artiste colorée aux multiples facettes.
Elle explore, tour à tour, l’écriture et la réalisation de court-métrages fantaisistes, compose des musiques de films, avant de déployer son imaginaire dans des peintures numériques flamboyantes.

Rebelle à toutes les formations classiques aussi bien scolaires que musicales, Rat’Shak s’est fabriqué sa poésie et sa musique sans tenir compte d’aucune des conventions ordinaires.

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«Govrache, qui depuis quelque temps ponctuait ses concerts de slam, s’y est mis tout à fait. Et impressionne beaucoup, tant il écrit bien.» — Télérama.

«J’ai parfois pensé avec d’autres que la poésie est un art qui a connu son heure de gloire au 19ème et au début du 20ème siècle, qu’Aragon et Prévert en étaient peut-être les derniers représentants. Et bien, je vous le dis, je me suis bien planté : que tout ceux qui pensent encore cela aillent voir Govrache dans son spectacleDes murmures et des cris.» — Nos Enchanteurs.

«Govrache : émotions garanties pour les spectateurs» —Le Parisien.

«Un chanteur touchant par sa sincérité avec un répertoire d’utilité publique !» — Francofans.

«C’est sensible, c’est émouvant, c’est écrit au scalpel […] Très bon diseur, fort habile dans l’interprétation, Govrache marche sur les platebandes de Jacques Brel. […] Il sait tout écrire et tout chanter»  — Hexagone.

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Tambour Vision

Bertrand Belin

Être au monde. Comment se fait-on à l’idée d’être ici-bas, soumis aux aléas d’une existence plus surprenante que nous ? Être au monde, flanqué d’une altérité avec laquelle on doit composer, pour le meilleur et pour le pire. 

C’est ce que raconte le septième album de Bertrand Belin. Antidote idéal à nos angoisses, nos solitudes, mixture hybride de pop francophone incitant à l’ivresse des sens et des luttes. Remède à la banalité actuelle, car refusant toutes contraintes. De la liberté, il y en a toujours eu depuis le premier album éponyme de Bertrand Belin, en 2005. Mais elle irradie ici comme dépourvue de filtres, ignorant les coquetteries et le brouillard actuel.

Droit à l’âme, donc, ce Tambour Vision, confectionné dans le home studio de Bertrand Belin, en banlieue parisienne, de janvier à octobre 2021. C’était peu après le tournage de la comédie musicale des frères Larrieu, Tralala, où il confirme un talent d’acteur déjà appréciable lors de ses concerts. Cette expérience filmique n’aura pas d’incidence directe sur l’enregistrement qui s’ensuit, hormis ce sentiment de se reposer de soi-même, l’espace de quelques mois, pour les besoins d’un rôle. Une « mise en jachère », dit Belin, une régénération existentielle qui explique sans doute le « plaisir décuplé » à faire ces nouvelles chansons.

Si Tambour Vision a été fait en huis clos, c’est une véritable camaraderie qui l’anime, celle partagée avec le complice de longue date Thibault Frisoni. Lequel s’est investi ces dernières années dans la collection et le maniement des synthétiseurs, ces instruments « à mi-chemin entre la production et l’interprétation ». Au fil du corpus de Belin, le synthétique s’est infiltré, occupant désormais pleinement le vocabulaire musical. Une fois réalisé et arrangé, Tambour Vision a été déposé entre les mains expertes de Renaud Letang qui a permis d’aller au bout du processus créatif et de sublimer le potentiel des chansons.

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solo guitare-voix

L’étendard sans imbéciles est levé ! La douceur du regard et la vivacité du propos se conjuguent pour installer un répertoire personnel dans lequel engagement et poésie ont leur place. Le frontal et la délicatesse, le sourire et la rage, l’espoir et la combattivité, ici et ailleurs : tout cela participe à une création originale et vivifiante.

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BIOGRAPHIEBONBON VODOU –

Chanson pour faire revenir l’être aimé en moins de 24 heures –

Bonbon Vodou c’est Oriane Lacaille, fille d’une grande famille de musiciens réunionnais, et JereM, fils… de 2psychiatres lacaniens.

Une écriture à double fond, deux voix douces et ensoleillées qui s’accordent comme un songe, ce duo façonne une chanson dépaysée et imprévisible, détournée par l’Afrique et la Réunion, les 2 pieds dans 20pays. Bonbon Vodou joue d’instruments glanés au gré des voyages, mais aussi d’un boxon hétéroclite d’objets du quotidien. Sous les doigts d’Oriane, bouteille de sirop, sac plastique, boites de conserve deviennent inexplicablement percussions . JereM défouraille guitare transformée, bidon d’essence ou ukulélé tahitien… »Métèque » – comme ce mot est noble – baigné par la douceur des 2 voix claires et porté par un groove minimaliste et ravageur, Bonbon Vodou distille la joie et propage son onde amoureuse.

Discographie:Un 1er album joyeux et rassembleur – sortie le 10 novembre 2017 – où se croisent de nombreux invités de laworld et de la chanson : René Lacaille, Regis Gizavo, Patrick Bebey, Chloé Lacan …

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Corentin Grellier fait des chansons comme on se fabrique des cabanes, entre refuge et aventure.
Claude Delrieu accorde son accordéon à ce qui chante autour de lui, entre cascade et velours.

Les chansons mélangent de l’intime et du partagé.
Il y a du vent, du soleil et de la pluie, de l’or et de la boue, des larmes, du foutre et du sang.
Un peu de tout, un peu de rien, tout autre chose.
Des hommes, des femmes et des enfances.

Des liens et des lieux, qui se tissent, entre le tout seul et l’ensemble.

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Lettre à Antonio Saura

Naïma Chemoul accompagnée de Jean-Luc Amestoy, nous offre une adaptation vocale, (du parlé au chanté) des lettres de Marcel Cohen écrites à son ami peintre Antonio Saura. Du français au judéo-espagnol, la voix de Naïma Chemoul ouvre un nouvel espace à l’imaginaire et à l’émotion, un monde riche et heureux de ses différences. Belle présence et voix superbe de cette artiste rare qui vit dans notre région. On a pu l’applaudir sur la Scène nationale d’Albi ou dans certains festivals.

Citation presse Naïma Chemoul :

 » Elle chante la femme, celle de la Méditerranée, des diasporas semées au gré des deuils et des errances. Femme de peine mais aussi de libération. Naïma Chemoul a la voix profonde de ces chanteuses du Sud, avec des inflexions qui scandent la joie, les douleurs ou la prière. » 

Jean-André Lhopitault, la Dépêche du Midi

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La fantaisie lyrique conduit le public vers une plongée dans l’univers enfantin. L’Enfant, en opposition, se révolte. Alors, les objets prennent vie, les animaux parlent, chantent, le monde est hostile. Puis l’Enfant apprend à aimer…

Une chanteuse lyrique, mezzosoprano (une tessiture adaptée à l’écoute et la compréhension des enfants), porte le texte et chante toutes les parties. Elle peut se dédoubler grâce à une marionnette représentant L’Enfant. Elle peut ainsi chanter également les autres personnages de l’opéra en s’adressant à son double.
Une danseuse met en mouvement ces personnages, crée des images. La lumière intégrée dans les costumes et les objets accentue son autonomie pour différencier les personnages.
Un musicien porte toute la musique. Il utilise un piano numérique, instrument polyphonique qui permet de s’approcher de la composition de Ravel. Il a à sa disposition également des instruments acoustiques qui seront attribués aux différents personnages.

Le Théâtre de la vallée, en résidence à Ecouen, est soutenu par la DRAC Ile-de- France, la Région Ile-de-France, le Département du Val d’Oise et la Communauté d’Agglomération Roissy Pays de France.

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Samuel Covel, poète et guitariste flamboyant, accompagné de Nicolas Del-Rox à la batterie, bouscule son temps dans une étreinte avide.

Ce duo de chanson propose un univers poétique aux énergies explosives influencé par le rock/folk des seventies (King Crimson, Neil Young, Tom Waits), certains poètes du 19ème (Rimbaud, Baudelaire, Walt Whitman) et certains artistes phares de la scène française (Babx, Noir Désir, Bashung).

Sur un sol brûlé où se mêlent les sonorités d’une guitare acoustique électrifiée et d’une batterie mélodique, les cigales scandent et chantent pour leur dernière mue.

Samuel Covel : chant, guitare / Nicolas Del-Rox : batterie

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L'ENFANT NINE

« Quelque part entre l’innovation musicale et les contes magiques de notre enfance, ce spectacle fantastique vient chatouiller notre imaginaire et défier notre aptitude
à rêver. »

Il était une fois une enfant qui rêvait d’aller explorer le monde extérieur, et en particulier la Grande Forêt mystérieuse, juste à côté
de son village…

Invoquant l’imagination débordante
de son jeune public, la conteuse-chanteuse
Lily Westphal tisse une aventure
rocambolesque aux allures de voyage initiatique et plonge son auditoire dans un univers
sonore et musical qu’elle crée en direct.
A l’aide d’une machine électronique nommée
« looper », elle nous emmène dans l’univers
de Nine et de ses étonnants compagnons :
un bébé géant, un arbre chanteur, un monstre gluant qui fait du rap…

Ouvrez grand vos oreilles car vous n’êtes pas au bout de vos surprises !

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Chanteuse, musicienne, compositrice, Frederika est une artiste atypique et surprenante.
Elle explore sans carcan, se déplaçant au gré de ses inspirations, des multiples matières et langages qu’elle fait cohabiter sans jamais s’y perdre.
La musique de Frederika est faite de mélodies entêtantes, chorales et fanfares technologiques, rythmiques scandées, valse Hip-Hop et improvisations à la volée, un Solo vocal étendu définitivement singulier et atypique.

Lors de son passage à l’Espace JOB pour le festival DDC, Frederika présentera un nouveau répertoire « en français dans le texte » avec du SLAM et des clins d’œil à Barbara et Nougaro …

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DELINQUANTE, c’est l’histoire de 2 femmes du sud, Claire et Céline.

Elles se rencontrent au conservatoire de Marseille.

Au départ, 2 accordéons et l’envie de faire « autre chose » de cet instrument stéréotypé.

Rapidement, s’installe l’envie de semer la bonne humeur en chantant avec légèreté le quotidien, et en parlant d’amour avec tendresse et dérision.

DELINQUANTE, c’est le sourire, le regard malicieux, le propos impertinent, un savoir-faire éprouvé pour jouer de l’accordéon, des voix en parfaites harmonie.

Le duo a évolué au fil des ans en proposant plusieurs formules.

C’est accompagnées de leur batteur Matthieu Gastaldi que nous vous proposons de les retrouver pour un set enjoué et plein d’entrain !